Entrevista: Deo Cardoso: Um Guerreiro Cineasta!!!!!! Parte 2...

Poster/Convite do curta Pode Me Chamar de Nadi

Você estudou e começou a fazer seus curtas nos EUA. The Letter, um de seus primeiros trabalhos, já tratava da questão racial. Qual a diferença em tratar de racismo nos EUA e aqui no Brasil?

The Letter foi o primeiro filme que escrevi, produzi e dirigi na vida. Fiz esse filme nos Estados Unidos. Um filme em preto e branco, em película 16mm, realizado no clima da invasão americana ao Iraque. Um curta de 7 minutos, numa época que eu estava sendo apresentado à prática do cinema. Então, assim como na vida, quem tá começando acaba meio que imitando o estilo de alguém que você admira. É assim em todos os aspectos da vida. Você não é maduro o suficiente pra ‘caminhar com as próprias pernas’ e busca referências. A minha, à época, estando nos Estados Unidos, era buscar uma brasilidade na maneira de fazer cinema. 


E bebi na fonte do cinema-novo, principalmente de Glauber Rocha. Me senti na obrigação de apresentar o Brasil aos americanos através do cinema novo. Então fiz um filme de câmera na mão, no meio da rua, passando a centímetros do rosto do protagonista, um soldado negro americano que se despedia da esposa (também negra) pra ser aquartelado, rumo ao Iraque. Era um filme sem diálogo, que buscava refletir tanto aquele absurdo da guerra, quanto do dilema dos negros em terem que ir à uma guerra de interesses brancos. Um jazz audiovisual, com colagens em áudio da voz de George Bush gritando repetidamente “nós vamos vencer o terror, a America vai prevalecer”, como um remix de Rap, enquanto a câmera avançava no rosto do protagonista enquanto este caminhava na rua.

O professor demorou muito a entender minha proposta. Era tudo muito novo pra ele e ele sabia muito pouco de cinema novo. O dialogo com os Afro-americanos foi imediato. O filme gerou muito debate entre negros e brancos. Muitos deles acalorados, e assim fiquei conhecido ali no mestrado como um cara que gostava de tocar o dedo na ferida. Fui convidado a fazer parte do Hip-Hop Congress, uma organização afro-americana, de negros para negros, que realizava projetos socioculturais em comunidades negras através do hip-hop e da cultura urbana. Ali aprendi muito e foi a época que eu mais militei na causa negra mesmo. Tínhamos palestras com pessoas que fizeram parte dos Panteras Negras, e de outros movimentos de militância negra, enfim. Comecei a fazer dessa causa a minha missão, sempre procurando também ampliar o debate para a opressão não só contra negros, mas contra outros povos historicamente oprimidos também, legado deixado pela política dos Panteras Negras. 

Voltando ao Brasil, busquei militar no hip-hop também. Minhas experiências no movimento negro brasileiro não foi tão militante porque aqui eu precisava correr atrás de estudos e meios de sobrevivência. Percebi também que eu não levo jeito pra militância intensa e politizada nas ruas, e procurei compensar essa minha falta de habilidade fazendo uma militância mais artística, através do meu cinema.

Então, quando faço um filme militante nos Estados Unidos, a reação é um pouco de surpresa e encantamento, por eu ser um Afro-Brasileiro-Americano. Ao ver uma obra, eles procuram compreender a legitimidade daquilo, de quem fez a obra. Se o realizador fez por estar inserido no contexto, ou se o realizador é um outsider, como eles dizem, ou seja, se caiu de paraquedas e tá tentando se aproveitar de um tema que não é de seu domínio. Ao verem meus filmes, a discussão do tema nas mostras era de igual pra igual. Analisado num contexto geral. E sempre resvalava pra questão de como era o contexto racial brasileiro.

Aqui no Brasil, no circulo de festivais, das poucas vezes que participei, percebi muito tapinha nas costas de um público geral, e pouco debate. Já quando nosso povo está na plateia, percebo mais o interesse pelo debate e é justamente isso que me alegra. O debate é parte essencial da evolução intelectual e percebo que nós, brasileiros, temos muita dificuldade em debater sem levar pro lado pessoal. Atribuo isso à ditadura militar, e às opressões de nossa história, que nos tirou a prática do debate e da divergência de ideias.

O que você acha do cinema no Brasil hoje feito como se fosse televisão? Onde o filme de hoje é o novo Especial de Fim de Ano, ou da série de sucesso transformada em filme com “simples” toque de edição?

Como eu disse anteriormente, esse cinema contaminado pela estética televisiva é aquele cinema que prefere não se arriscar pra não perder público. Há quem discorde profundamente dessa teoria. Daniel Filho, um dos poderosos autores da Globo, afirmou uma vez que não existe uma estética televisiva e outra cinematográfica. Tudo se contamina. Concordo em partes com ele, por que de fato, se você for ver um filme como “De Pernas pro Ar”, aquilo parece uma extensão do que é feito na TV, uma produção tecnicamente conservadora: uma luz padronizada, uma abordagem cênica que começa do Plano Geral ao Closeup, enfim, uma produção que não se arrisca e que proporciona essa impressão de que aquilo que é cinema de verdade. Deixa o público mal-acostumado, viciado a esse tipo de produção. E dá-lhe filmes que viram seriados, festivais nacionais de madrugada que quase sempre mostram filmes da Globofilmes, etc. Ainda bem que a internet chegou pra dar uma sacudida nisso.

Recentemente, Ângela Davis, esteve no Brasil no Festival Latinidades Afro Latinas 2014 e fez um alerta criticando a presença de negros no poder: "Não significa somente trazer pessoas negras para a esfera do poder, mas garantir que essas pessoas vão romper com os espaços de poder e não simplesmente se encaixar nesses espaços" afirmou. Quem comanda MESMO um filme é a tríade: roteirista – produtor (a) – diretor (a). Falar sobre racismo em meios de produção hoje é tranquilo ou ainda significa tema tabu entre aqueles que comandam uma produção?

Angela Davis é uma diva. E mais uma vez nossa diva-guerreira está certíssima. Trata-se de um tema extremamente tabu, também dentro do ambiente cinematográfico e de produção audiovisual brasileira. Por exemplo, em 2011 fiz assistência de direção do longa-metragem “As Mães de Chico Xavier”, estrelado por Caio Blat, Vanessa Gerbeli e Herson Capri, e dirigido pelos grandes amigos Glauber Filho e Halder Gomes.  No filme, em determinada cena improvisada, precisavam de um engraxate pra limpar o sapato do protagonista, já que o filme se passava nos anos 1980. Aí pessoas da produção escolheram um colega da equipe que era motorista. Tanta gente pra escolher, e escolheram justamente ele, que tinha a pele mais escura da equipe. E eu rapidamente levei minha insatisfação à assistente que tinha escolhido ele. Perguntei: “sei que toda e qualquer profissão honesta é digna, mas porquê, necessariamente, o engraxate tem que ser negro?” E houve o inicio de um pequeno celeuma.

Então, se você chegar num set de filmagens de uma equipe profissional de cinema no Brasil, você vai ver que as funções mais importantes, as de maior poder hierárquico, reflete a realidade socioeconômica, ou seja, quanto mais braçal o cargo, mais escuro é o profissional desse cargo. Agora vai falar sobre isso pra você ver o desconforto que você causa! Dão logo a entender que o racismo está nos olhos de quem vê. É uma questão muito preocupante. O fato é que temos muito pouco autores(as)-cineastas negros e negras. E quando falo de autores(as)-cineastas, me refiro a roteiristas, produtores, realizadores e diretores de fotografia – posições de maior destaque.

Cappuccino Com Canela, outro curta de Deo Cardoso, também disponível no You Tube

Por que o cinema feito no Brasil não se arrisca tanto em gêneros como ficção cientifica, terror, fantasia... O que nos falta para avançar nesse quesito? Dinheiro? Material? Público?...

Acontece que, como temos uma tradição polarizada entre a reflexão social (influenciada pelo neo-realismo italiano e consagrado pelo pessoal do cinema novo) e uma tradição cômica dentro de um padrão industrial (que vem desde os tempos da chanchada passando pela pornochanchada). Nunca tivemos uma estrutura econômica e industrial que nos permitisse, enquanto cinematografia, investir em certos estilos, como ação e aventura, por exemplo.

É como se a gente fosse fazer filmes de gênero pra competir contra quem já é mestre nessa técnica, certo cinema pirotécnico americano que ostenta efeitos especiais por um lado e que, por outro, apresenta uma narrativa extremamente limitada e engessada em sua estrutura. 

Então, nossa tradição cinematográfica meio que não nos permite competir com Hollywood. Nosso cinema tem uma tradição mais voltada pra Europa e, por conseguinte, à nossa própria formação cinematográfica latino-americana. Aquela coisa combativa, de gritar ao mundo que somos inovadores em nossa própria maneira de se contar uma história, visando formação de plateia ou mesmo a um publico cativo. Nossa tradição comercial é o melodrama, desde os tempos dos estúdios da Cinédia (de Adhemar Gonzaga e Humberto Mauro, nos anos 1930), que flertava com os melodramas das radionovelas, e também as comédias populares e carnavalescas, frutos de nossa rica tradição cômica, que remonta a antes mesmo da chanchada (gênero cinematográfico genuinamente brasileiro, desenvolvido nos estúdios da Vera Cruz e da Atlantida na década de 1940/50). Nosso cinema reflete, ri ou avacalha a nossa própria condição social e política.

Somente nas experiências tresloucadas do cinema marginal brasileiro, arriscávamos a fazer filmes de gênero assumidamente toscos, muito mais pra tirar uma onda do que propriamente um filme de gênero (o terror de Zé do Caixão, uma ficção  científica de Carlos Manga, etc). Ao longo da historia do cinema brasileiro, já se fez inúmeros filmes de ficção cientifica, por exemplo, mas sempre nesse viés cômico.

No curta Sonhos Interrompidos você dá um depoimento em que cita “outras formas de solucionar problemas” contra a violência. O cinema, ou a arte em geral, poderia ser uma das fontes de solução?

Sem dúvida. O cinema, a arte em geral, faz parte de um capital-cultural importantíssimo pro nosso povo. Temos que aprender a gerir isso. A criar nossos espaços, nossos festivais, nossos circuitos de dança, de teatro, de cinema, espetáculos em geral. Temos que nos consumir mais nesse sentido. Tanto como criadores quanto como gerentes disso tudo. Pensar, criar, consumir.

Em “Sonhos Interrompidos”, temos o retorno de Nadí, num tom mais documental. Foi um filme encomendado pelos membros de um atuante grupo negro militante, aqui de Fortaleza, chamado “Consciência Negra em Movimento”. Um grupo de pretos e pretas atuantes e inteligentes, que estão firmes e fortes na luta contra o racismo. Me procuraram e pensamos esse trabalho juntos, numa mesa de restaurante. Chamamos algumas pessoas e eu escrevi e dirigi aquilo que o grupo todo idealizou. Só que a coisa tava pesada demais na edição, e optei por uma edição mais positiva da coisa, ao invés do tom derrotista que estava.

Nem fiz muita publicação desse trabalho porque o vídeo infelizmente gerou uma polêmica dentro do grupo. Até hoje não sei se ficaram insatisfeitos com a edição do vídeo em si ou pelo fato de que eu, desavisado, publiquei o vídeo no youtube, sem saber que eu precisava pedir permissão ao grupo. Pode ter sido um misto dos dois. Gerou certo mal-estar, mas foi coisa de momento.  Tô de boa. Tratam-se de pessoas articuladas e bacanas.  A vida é assim mesmo. Nem sempre agradamos a todo mundo. Divergências são comuns em qualquer grupo ou família. Por mais que hajam divergências, o que importa é o respeito. O mais importante é que a mensagem chegue até as pessoas. Nossa produção já é tão tímida ainda, né?! A produção de cinema negro (documentários, curtas, longas, etc) já é tão escassa, tão complicada, que eu acho que quanto mais for publicado e exibido, melhor. Precisamos de mais produção de nossos filmes, romances, livros acadêmicos, espetáculos, poemas... mais debates, mais opiniões, mais pontos de vista.  Precisamos criar mais espaço pra nós mesmos(as), né não?!

Curioso o movimento que alguns cineastas tem com a música e a influencia dela em seus trabalhos. Wood Allen, Kubrick, Scorsese, Sofia Copolla, Scheffer, Spike Lee são alguns que trabalham a partir da musica. Em minhas pesquisas, vi que você tem uma relação muito próxima ao rap. Qual a influencia que ele exerce em seu cinema?

Eu e o rap somos “amigos” de longa data. Tenho 37 anos, mais ou menos a faixa etária do hip-hop. Nasci nos Estados Unidos em 1976, porém, filho de pais nordestinos. Nos anos 1980, quando eu vivia em Raleigh, Carolina do Norte, a música que eu ouvia em casa era Luiz Gonzaga, Gilberto Gil, Chico Buarque, etc. Na rua e nos ônibus escolares, o que eu ouvia era Public-Enemy, Fat Boys, Run DMC, 2 Live Crew, De La Soul, Michael Jackson, etc. Então isso tudo fez muito a minha cabeça.

A gente respirava rap, em sua fase mais contestadora. Os caras passavam a ideia certa. Noções de luta, de arte engajada. Aprendi a desenhar por causa dos grafites que eu admirava. Escrevia letras de rap em forma de poemas, e até hoje sonho em gravar um rap. Nem que seja por desencargo de consciência, porque talento eu não tenho NENHUM! hahaha.

Então, procuro estruturar meus filmes de forma ritmada como um rap audiovisual, seja cadenciado, seja acelerado, mas sem necessariamente usar rap como trilha sonora. Posso estar enganado, mas que eu me lembre, dos mais de 4 filmes/curtas que realizei, nunca usei trilha de rap em nenhum, a não ser nos créditos finais de Pode Me Chamar de Nadí, que usei aquela musica linda do Rappin Hood “Us Guerreiro”, que fala muito da nossa condição enquanto afro-brasileiros. 

Então, o dialogo entre a forma como faço filmes e o rap está lá, “vivão e vivendo”, como se diz. E foi através do rap que cheguei a gostar de jazz, e de soul. Mas não só o rap faz parte dessa minha salada de influências, o samba e o afoxé são ritmos que me encantam demais também.

Brincando nos Campos do Senhor, Pixote e Cidade de Deus ficaram famosos no mundo inteiro por usarem atores amadores ou não atores. Vi que você gosta também de usar esse tipo de ferramenta. Quais são os prós e os contras de usar essa técnica tão adotada por cineastas?

No esquema de produção de filmes que eu adoto, vejo muito mais prós do que contras. Explico: meu esquema de produção é urgente. Filmes-crônicas. O realismo é latente. O naturalismo é essencial.  A influencia do cinema documentário é viva demais nos filmes que faço. E o cinema, ao contrario do teatro, tem esse poder de absorver e dar significado ao mínimo movimento de uma pessoa. Um franzido de testa gera um significado. Um olhar torto, outro significado. Se o ator ta nervoso, por mais que ele dissimule, a câmera vai captar.

Não gosto de caras e bocas e nem de caricaturas.  Gosto da tensão que um ator ou atriz amador(a) traz consigo diante de determinada situação. Por isso que eu geralmente ensaio, faço exercícios cênicos, sempre baseado em improvisos, pra não mecanizar o ator ou atriz. Esse ator ou atriz me ajuda a construir a personagem. Cria junto comigo. A relação é ótima. Uso exercícios do grande dramaturgo Augusto Boal e da teatróloga americana Viola Spolin. Pessoas que extraiam a maior naturalidade dos atores e atrizes sem técnica. 

Claro que existem contras. Gente que trava na hora, essas coisas. Mas tudo é uma questão que precisa ser bem trabalhada nos ensaios. Até hoje não tive problemas maiores. Nunca trabalhei com atores profissionais famosos. Espero também trabalhar com atores e atrizes que admiro muito, como Lázaro Ramos, Neuza Borges (com quem tive o prazer de conviver em um trabalho), Antonio Pompeu, Cosme dos Santos, Sheron Menezes, Jonathan Haagensen... e um sonho especial de um dia trabalhar com Zezé Mota.

Pergunta final: Você se declara um cineasta ou um cineasta negro? E por quê...

Sou tímido, mas quando me perguntam como quero ser apresentado, sempre me declaro um cineasta negro. Pensa bem, já somos tão poucos né?! E nossas maninhas negras realizando filmes são tão poucas também, que acho extremamente importante essa declaração como afirmação mesmo, sabe. É como a resposta no censo do IBGE. É importantíssimo se declarar negro ou negra. É como se eu dissesse: nós existimos nesse meio. Nós existimos enquanto autores(as), criadores(as), doutores(as), engenheiros(as), etc. É importante pra dar visibilidade. Mais importante e fundamental ainda pra causar impacto e consciência politica e racial pra molecada.

Porque na verdade quando você se declara negro, ou negra, dependendo da ocasião, causa certo estranhamento, certo mal-estar. E isso acaba abrindo espaço para debate. E aí, quando você justifica e chama pra si a negritude, você está fomentando uma consciência de nossa própria condição, de orgulho de nossa herança africana, de um povo fundamental pra nossa identidade. Ao fazer isso, estamos invocando Lélia Gonzales, Stuart Hall, Carolina de Jesus, Bob Marley, James Baldwin, Frantz Fanon, Amilcar Cabral, etc.

O preconceito ainda é muito grande em nosso país. O racismo é muito grande. Apesar dos avanços, os negros ainda estão muito associados a empregos baixos, à favela, à subserviência, ao crime, ao esporte, ao exotismo, enfim, a atividades que não impliquem a produção intelectual. Se boa parte do nosso povo ainda se encontra em situação desfavorável, isso se dá por séculos de opressão pré e pós abolição. Somos um povo guerreiro, de lutas e conquistas. De dor e de dança. E essa afirmação de nossa negritude é nosso grito de libertação diário. Afinal, o sorriso no rosto de quem já chorou, consegue ser mais belo que um sorriso comum.